Escultura

Ecultura neoclásica.
La escultura neoclasica surge como reacción al Barroco. El Neoclasicismo tiende a la contención de los volúmenes, a la claridad y pureza de los contornos y al equilibrio y simplicidad.

La escultura del Neoclásico se distingue por:
*El empleo del mármol blanco.
*Los temas son de la antigüedad clásica, sobretodo mitológicos.
*Toma como ejemplo las obras grecorromanas.
*Se interesa por la belleza ideal, las actitudes reposadas, la severidad y pureza del arte antiguo.
*Espulpen desnudos alejados de erotismo, retratos individualizados, retratos ecuestres, sepulcros, relieves unidos a monumentos conmemorativos o edificios públicos.
*El avance de la escultura urbana, que sirve de referente obligado en los ordenamientos viarios. Las formas más frecuentes son los arcos triunfales y las columnas conmemorativas.

Antonio Canova (1.757-1.822).

En Italia señala el tránsito del barroco final al clasicismo. Escultur de elevada técnica. Imitó a las obras griegas de su país.

Huéfano de padre a los tres, lejos de su madre y en una situación económica precaria, Canova creció bajo la tutela de su abuelo, un humilde picapedrero que, al observar el gran talento de su nieto, decidió vender parte de sus tierras para costear a su nieto una formación. 

Sus obras reflejan la juventud. Suelen ser dioses y mujeres de gran belleza externa. Prefiere los temas mitológicos. Este su "Amor y Psique". Ambos cuerpo forman una X que dirigen la mirada del espectador hacia la escena princiapl: el beso.

https://historia-arte.com/obras/eros-y-psique-de-canova

fuente:

http://luz-historia-arte.blogspot.com/2014/04/ecultura-neoclasica.html

Arquitectura Siglo XX Modernista y Vanguardista

Para referirse a la arquitectura que emerge desde finales del siglo XIX se emplea el calificativo de “Moderna”. En este caso, hace referencia a la levantada desde el Art Nouveau y las propuestas hasta la década de los años 60 del siglo XX. La arquitectura del Movimiento Moderno hace una apuesta decidida a favor de determinadas corrientes y tendencias en gran medida relacionadas con las vanguardias artísticas.

Hendrik Petrus Berlage

Fue un arquitecto y urbanista neerlandés, caracterizado en su última etapa por el uso en sus obras de grandes superficies continuas de hormigón armado.

https://en.wikipedia.org/wiki/Hendrik_Petrus_Berlage

(La Bolsa de Berlage), es un edificio situado en la avenida Damrak, en el centro de la ciudad de Ámsterdam. Fue diseñado como sede de la Bolsa de Valores y de materias primas, por el arquitecto holandés Hendrik Petrus Berlage y construido entre 1896 y 1903. Desde el año 1988 es utilizado como centro cultural de exposiciones y conferencias.

El edificio está construido de ladrillo rojo, con tejado de hierro y cristal, su exterior es sólido, y totalmente austero, con frisos de cerámica, dominado por una alta torre. Su entrada se encuentra bajo la gran torre del reloj, en el interior se abren tres amplias salas dedicadas primitivamente a lugar de las transacciones de cereales, materias primas y los valores, con oficinas e instalaciones comunales agrupadas en torno a ellas, destacan sus grandes muros continuos de ladrillo sin ningún revestimiento, solo enriquecidas con dinteles de cerámica de vivos colores, y unos grandes arcos semicirculares, que recuerdan el trabajo de los arquitectos Henry Hobson Richardson y Frank Lloyd Wright, contemporáneos norteamericanos de Berlage. Este edificio fue un precedente de los trabajos de la Escuela de Ámsterdam.

https://es.wikipedia.org/wiki/Casa_Tassel

La Casa Tassel , Hotel Tassel pertenece al estilo Art Nouveau y fue construida entre los años 1892 y 1893 por el arquitecto Víctor Horta en la rue Paul Emile Janson 6, 1000, Bruselas, Bélgica, con la finalidad de implementar un nuevo tipo de vivienda unifamiliar, utilizando nuevos materiales, como el hierro, vidrio, piedra cerámica y madera. Esta obra es una de las primeras construcciones del arquitecto y la primera síntesis mundial del modernismo en arquitectura, es decir, fue la obra que rompió la disposición clásica de las habitaciones en las residencias de Bruselas. En ellas, la puerta de entrada se encuentra siempre al lado de la fachada y se prolonga hacia el interior por un largo pasillo lateral. Éste permite acceder a las tres partes que siguen una a continuación de la otra, como por ejemplo; el salón en el lado de la calle, el comedor en medio y el patio cubierto al lado del jardín. En consecuencia, el comedor era a menudo muy oscuro. La caja de la escalera está situada generalmente en el pasillo. Víctor Horta puso la puerta de entrada en medio de la fachada, colocó lógicamente el pasillo en la zona central de la casa y sacrificó el centro de la casa para instalar un pozo de luz.

https://es.wikipedia.org/wiki/Casa_Solvay

Casa Solvay. 

El edificio, de estilo Art Nouveau, es una de las más notables creaciones que Horta elaboró en uno de sus períodos más innovadores. Victor Horta disponía de medios financieros suficientes y recibió carta blanca de su contratante. Fue construida entre los años 1894 y 1903.

La fachada es simétrica hasta el momento en que alcanza el nivel situado en torno a la puerta-ventana de la planta principal. Esta puerta da acceso a un balcón y está flanqueada por dos miradores. En la fachada se pueden encontrar los materiales favoritos de Horta: el vidrio, el hierro y la piedra natural.

fuente:

https://es.wikipedia.org/wiki/Modernismo_(arte)#Arquitectura_modernista

https://es.wikipedia.org/wiki/Casa_Solvay

https://es.wikipedia.org/wiki/Casa_Tassel

Fotografía Siglo XX

Oficialmente se ha establecido que la fotografía nació en 1826 con una imagen de las vistas desde una ventana en Le Gras. El siglo XIX sirvió para ver nacer la fotografía y como se perfeccionaba, pero sin duda, el siglo XX cambió la fotografía con la llegada del color, del flash, de la instantánea a través de las polaroids así como con la fotografía digital. Un siglo que cambió para siempre la fotografía.

Pero no todo es técnica, y es que por otro lado, la forma en que se entendió el acto de fotografiar y sus consecuencias fue creciendo a medida que iban apareciendo nuevos fotógrafos que redefinían lo que implicaba el acto de fotografiar.

Henri Cartier Bresson
https://culturafotografica.es/sigloxx-cambio-fotografia/

Henri Cartier Bresson. Su influencia sigue siendo inmensa y es que todos cuando comenzamos a fotografiar no podemos dejar de tenerle en nuestra mente, incluso inconscientemente. Es padre del instante decisivo, o lo que es lo mismo, un tipo de fotografía en la que se combina una buena composición y el uso de diversos elementos formales de tal forma que todos se sitúen en el lugar y momento adecuados para crear una imagen “perfecta”. Su trabajo se ha convertido en cierta forma en la biblia de los fotógrafos de calle durante más de 50 años desde que comenzó a ganar popularidad en los años 30.

Robert Frankhttps://culturafotografica.es/sigloxx-cambio-fotografia/

Robert Frank. Este fotógrafo nacido en suiza y que desarrolló su trabajo más importante en Estados Unidos, ha sido el responsable de hacernos entender que una fotografía no es tan solo lo que muestra, sino todo lo que se sugiere. Su trabajo Los Americanos, publicado a finales de los años 50 es probablemente el proyecto fotográfico documental más influyente del siglo XX por diversas razones. Supuso una inteligente, elegante y profunda forma de criticar la vida en Estados Unidos, mostró como un libro de fotografías podía ser una herramienta igual de valida que una exposición para mostrar un trabajo fotográfico y creó la idea romántica del viaje americano, cámara de fotos en mano, que todavía hoy día pervive.

Stephen Shorehttps://culturafotografica.es/sigloxx-cambio-fotografia/

No todo es fotografía en blanco y negro, asociada tradicionalmente con fotografía artística o con cierta profundidad conceptual. Stephen Shore, que comenzó a curtirse como fotógrafo documentando la vida en La Fábrica de Andy Warhol, lograría gran popularidad con su serie Uncommon Places, un conjunto de fotografías de gran formato a todo color en las que se recogían estampas de diferentes puntos de Estados Unidos y Canadá que fueron publicadas a principios de los 80. La complejidad compositiva de algunas tomas y su reivindicación del color, le han convertido en una figura cuya influencia la podemos ver en cantidad de fotos que se publican hoy día en Instagram.

FUENTE: 

https://culturafotografica.es/sigloxx-cambio-fotografia/

Minimalismo

Frías, sólidas, lacónicas, austeras… Así son las esculturas minimalistas.

El término «minimal» fue utilizado por primera vez por Richard Wollheim en 1965 para referirse a las pinturas de Ad Reinhardt y a otros objetos de muy alto contenido intelectual pero de bajo contenido de manufactura.
El minimalismo deja fuera toda emoción. Es pura contemplación intelectual y objetiva, algo que llama la atención teniendo en cuenta el contexto político y social de cuando nacen en los años 60.

                                         Dibujo de pared #370 - Sol LeWitt  (1928-2007)

fuente: https://historia-arte.com/obras/wall-drawing

El minimalismo es, por así decirlo, como una performance. De alguna manera somo nosotros los espectadores los que hacemos la obra. Esto lo explican los propios artistas minimalistas al afirmar que estas esculturas sólo funcionan con público. Si no hay nadie, quedan desactivadas.

El minimalismo se basa en influír en el espacio que lo rodea y sobre todo, influír en quien está en este espacio.

Esta característica es propia de la escultura, sin embargo los minimalistas utilizaron con mucho cuidado la palabra «escultura». No querían saber nada del ilusionismo que conlleva el concepto, pues la escultura es, ni más ni menos, transformar una materia prima para convertirla en otra cosa. El material es clave para esta gente, mostrar simple y llánamente «el objeto».

                                     Plano magnesio cobre - Carl Andre  1935

fuente: https://historia-arte.com/obras/plano-magnesio-cobre-de-carl-andre

Son obras rigurosas, muy precisas, como materiales industriales. El artista minimal no esculpe, no suda, no le salen callos en las manos de tallar material. El artista minimal presenta su «propuesta» (esta si es una palabra que les gustaba) y es otro quien hace la pieza final. Incluso eliminan todo rastro de su huella, de autoría.
El minimalismo es, como toda forma de arte, un intento de poner un poco de orden en un mundo caótico.
Es el último movimiento de la modernidad. Después de ellos, llegaría la posmodernidad.






fuente: 
https://historia-arte.com/movimientos/minimalismo

Expresionismo Abstracto

El expresionismo abstracto fue ese movimiento pictórico dentro de la abstracción posterior a la Segunda Guerra Mundial y el Holocausto. Tras estos terribles acontecimientos siguió un periodo de lógica incertidumbre y de cuestionamiento de la moral humana.

Esto da como resultado la proliferación de obras de arte que incluían formas de creación desgarradas en las que quedaba a un lado el goce estético tal y como se entendía hasta entonces. Un desencanto por lo colectivo dio como resultado obras muy personales.

                   Negro sobre gris - Mark Rothko (1903-1970)

fuente: https://historia-arte.com/obras/negro-sobre-gris

Los expresionistas abstractos fueron unos tipos (y tipas) fascinados por la soledad y el proceso. Individualistas, decidieron mostrar el carácter expresivo del arte investigando en búsquedas personales, más que colectivas. El artista desalentado por su contexto político y social se refugia ahora en su interior y abandona toda referencia externa. Se valora por tanto el gesto, una especie de huella dactilar del artista, porque es algo único de cada uno.

                      Mural - Jackson Pollock  (1912-1956)

fuente: https://historia-arte.com/obras/mural-pollock

Se potencia también la materialidad del cuadro y convierten el proceso artístico casi en un rito religioso, siendo la pintura la prueba documental del mismo. La improvisación formaba parte de este trance casi místico, en el que el artista entraba en contacto directo con sí mismo. Este automatismo podría derivar del surrealismo, que aún estaba vivo en esos años.

fuente:

https://historia-arte.com/movimientos/expresionismo-abstracto

Surrealismo

La palabra surrealista la empleó por primera vez Apollinaire en 1917. A partir de entonces, se convirtió en un término usado con frecuencia por André Breton y los colaboradores de la revista Literatura. Al principio se trataba de un asunto fundamentalmente literario, como lo había sido el Futurismo. La pintura surrealista aparece en escena desde la exposición de 1925 en la Galería Pierre, con artistas como Arp, Max Ernst, Man Ray, Klee, Girgio de Chirico, Miró o Pablo Picasso, a los que se añadirían Dalí y Magritte.

La persistencia de la memoria - Salvador Dalí ( 1904 - 1989)
fuente: http://masdearte.com/movimientos/surrealismo/#gallery-1

El Surrealismo propone una teoría de lo inconsciente y de lo irracional como medio para cambiar la vida, la sociedad, el arte y el hombre por medio de la revolución. No es un movimiento con unidad de estilo, sino una serie de investigaciones de artistas individuales, cada uno con un estilo propio.

Los amantes -  Magritte (1898 - 1967)
fuente: http://masdearte.com/movimientos/surrealismo/#gallery-2

El movimiento tiene como base teórica la interpretación de los sueños de Freud, que supone un rechazo de la cultura tradicional basada en el poder de la razón; defiende la revolución y se compromete con movimientos activistas y de izquierdas, quiere convertirse en germen del desarrollo del Dadaísmo en cuanto a crítica constructiva del arte tradicional, rompe con los convencionalismos sociales e incorpora la experimentación de los métodos del psicoanálisis en literatura y pintura; lo vemos en la escritura automática y los cadaveres exquísitos.

  El somriure de les ales flamejants - Joan Miró. (1893 -1983)
fuente: http://masdearte.com/movimientos/surrealismo/

Se considera precursores del Surrealismo a Rousseau, Chagall y De Chirico y se establecen en él dos tendencias: el Surrealismo figurativo, que se sirve de los convencionalismos de la perspectiva del Renacimiento para mostrar sorprendentes escenas (Dalí, Óscar Domínguez, René Magritte) y el Surrealismo abstracto, fiel a los manifiestos, cuyos artífices inventan universos figurativos personales (Joan Miró, Max Ernst).

fuente:

http://masdearte.com/movimientos/surrealismo/

https://historia-arte.com/movimientos/surrealismo

Futurismo

El futurismo es un movimiento cultural y artístico cuyo origen se sitúo en Italia en las primeras décadas del siglo XX, Esta corriente artística  realizó toda una alabanza a lo irracional, a la exaltación de la euforia, el progreso, el movimiento, el  dinamismo, los avances tecnológicos.. . Los futuristas buscaban representar la cuarta dimensión, el tiempo, por lo que intentan plasmar objetos o sujetos en movimientos con sus diferentes secuencias. Para ello usarán lo que se denomina dinamismo plástico en el que se representa varias imágenes de un objeto o sujeto simultáneamente. De modo, que se yuxtaponen varias momentos de una misma escena.

Cargas de las Lanzas - Umberto Boccini (1882 - 1916)
fuente:http://arteac.es/el-futurismo-1909-1944/

El movimiento futurista se genera en confrontación con las premisas academicistas que habían perdurado hasta ese momento. En realidad uno de sus principales objetivos es romper con los pilares culturales establecidos hasta el momento, que son percibidos como aburridos, aburguesados y anticuados.

   Bailarina azul - Gino Severini (1883 – 1966)
fuente: http://arteac.es/el-futurismo-1909-1944/

En el ideario del movimiento futurista encontramos toda una exaltación a   la modernidad y  una mirada no exenta de agresividad hacia el  futuro y el presente. De este modo, todos los avances tecnológicos serán presentados como signo de perfección, formando parte de su temática frecuentemente objetos como por ejemplo los automóviles, los aviones, las fábricas…  A su vez se presenta la patria, la temática bélica y militarista como valores a promover entre la sociedad. No en vano una de las principales críticas que se han realizado del movimiento, es el uso político que el movimiento fascista pudo realizar de este movimiento cuyo apogeo y desarrollo coincidieron en el espacio-tiempo, y en el que en muchas ocasiones se generaron alianzas.

Automovil en movimiento - Giacomo Balla  (1871 - 1958)
fuente: http://arteac.es/el-futurismo-1909-1944/

Desde el punto de vista artístico nos encontramos ante un movimiento de gran relevancia. Su técnica y aportaciones serían fundamentales para el desarrollo del arte del siglo XX. En sus obras, los diferentes artistas procurarán plasmar el movimiento, la velocidad, aportarán una nueva manera de representar al modelo o al objeto, en donde se percibe el propio movimiento.

Fuentes:

https://es.wikipedia.org/wiki/Umberto_Boccioni

https://es.wikipedia.org/wiki/Gino_Severini

https://es.wikipedia.org/wiki/Giacomo_Balla

http://arteac.es/el-futurismo-1909-1944/

Dadaismo

El dadaísmo fue un movimiento cultural surgido primero en Europa y posteriormente en Estados Unidos. Fue creado en el Cabaret Voltaire en Zúrich (Suiza) entre 1916 y 1922 con Hugo Ball como fundador, cuando una serie de artistas de distintas nacionalidades se encontraron como refugiados en esa ciudad durante la Primera Guerra Mundial. Posteriormente fue adoptado por Tristan Tzara, quien se convertiría en la figura más representativa del Dadaísmo.​ El Dadaísmo surgió del desencanto que sentían esos artistas al vivir en la Europa del periodo tardío de la Primera Guerra Mundial y, posteriormente, de la actitud de rebelión hacia la abulia y desinterés social característico de los artistas del periodo de entreguerras.

              La Fuente - Marcel Duchamp (1887 - 1968)

referencia: https://es.wikipedia.org/wiki/La_Fuente_(Duchamp)

¿Fuente…? ¡Pero si es un puto urinario…!
¿Arte…? ¡Pero si la jodida cosa ya estaba hecha…!

El artista se compró un urinario blanco de porcelana, lo tituló "Fuente", lo firmó con el seudónimo de R. Mutt y lo mandó a la Sociedad de Artistas Independientes para que fuese incluido en su exposición anual.
Evidentemente, el mingitorio fue rechazado, y eso que todo aquel que pagaba 6 dólares tenía derecho a exponer… Imaginemos la cara que se les pondría al jurado al ver esta "obra de arte". Por cierto… Duchamp formaba parte de dicho jurado.
El dadaísta se debió echar unas buenas risas, pero al final resultó que la broma se le fue de las manos. Sin querer, creó la primera obra de arte conceptual y abrió las puertas a las invasiones bárbaras que descubrieron que cualquier cosa en un museo es arte.Desde luego esa es la sensación que da al entrar en cualquier institución hoy en día.
Hay quien ve en "La fuente" la situación geopolítica de 1917, otros una moderna versión de la lluvia dorada a la Dánae, incluso algunos afirman que es una representación del útero de la madre… Lo cierto es que Duchamp lo explicó bien claro: "Les arrojé a la cabeza un urinario como provocación y ahora resulta que admiran su belleza estética…".
La estética era lo de menos. Duchamp quiso transmitir algo tan noble y serio como una idea, probablemente un "Fuck You" a la comunidad artística internacional. Pero resulta que en el 2004 esta "Fuente" fue votada como «la obra de arte más influyente del siglo XX» por 500 reputados profesionales del sector.

                               La Fortune - Man Ray (1890-1976)

fuente: https://historia-arte.com/obras/man-ray-la-fortune

En esta pintura de  Man Ray, hay una mesa de billar deforme, un enorme mueble ludico que extiende hacia el horizonte. Por encima de el flotan nubes tintadas con los colores del arco iris.

Las imágenes desafían toda explicación lógica. Es un paisaje surrealista, un paisaje de la mente, producto de la imaginación del artista.

                                          Objeto para ser destruído -  Man Ray (1890-1976)

fuente: https://historia-arte.com/obras/objeto-para-ser-destruido-el-metronomo-de-man-ray

Man Ray adquirió un metrónomo a cuyo péndulo le añadió la fotografía recortada de un ojo.
Era el ojo de su ex, Lee Miller, que por lo visto le había roto el corazón.
El artista, siguiendo los pasos de su colega Marcel Duchamp, crea un «readymade», que consiste en emplear objetos ordinarios (generalmente muy poco modificados) para convertirlos en obras de arte.
Man Ray dejó además unas instrucciones para el uso adecuado del objeto:Coloca en el péndulo de un metrónomo el ojo de la persona amada a la que ya no volverás a ver.
Pon en marcha el metrónomo hasta el límite de tu resistencia.Con un martillo, intenta destruirlo de un solo golpe.

Un ejercicio de destrucción dadaísta para recordarnos el poder hipnótico que el amor ejerce sobre nosotros, y que puede llegar a destruirnos.24 años después, durante una exposición en París, un grupo de estudiantes (autodenominados «intelectuales nihilistas reaccionarios») siguió al pie de la letra las órdenes del autor y al grito de «¡Viva la poesía!» destrozaron el metrónomo de Man Ray.
Con el dinero que le pagó el seguro, el artista compró otros 100 metrónomos para re-elaborar la obra en serie. Pero en esa ocasión los re-bautizó como «Objetos indestructibles», y hoy los podemos ver en museos de todo el mundo.

fuentes: 
https://es.wikipedia.org/wiki/La_Fuente_(Duchamp)
https://historia-arte.com/obras/objeto-para-ser-destruido-el-metronomo-de-man-ray
https://historia-arte.com/movimientos/dadaismo

https://historia-arte.com/obras/objeto-para-ser-destruido-el-metronomo-de-man-ray